Anne-Marie Butlin Zeigt, Wie Man Japanische Anemonen Mit Warmen Farben, Energischer Pinselführung Und Subtilen Farbverschiebungen Malt
Ich lebe in der Nähe des National Trusts Fenton House, Hampstead. Es ist eine ruhige Oase in dieser geschäftigen Gegend im Norden Londons. An einem besonders hellen Morgen gegen Ende des letzten Sommers bemerkte ich kleine Sonnenflecken, die durch die Zweige des Baumes über mir auf einen dichten Blumenbeet tanzten.
Diese Blumen waren japanische Anemonen, die ich viele Male gemalt hatte. Die Stängel sind hoch und architektonisch, aber die Einfachheit der Blütenstruktur verleiht ihnen eine ewige Qualität.
Blumen stehen symbolisch für die Kontinuität und den Rhythmus der Natur, aber auch für ihre Vergänglichkeit. Mein Ölgemälde Sunlight upon Japanese Anemone zielte darauf ab, diese flüchtige, fröhliche Präsenz einzufangen. Ich wollte die Bewegung der Blumen und Schatten, die wunderbare Vielfalt an Grau- und Helltönen und den Rhythmus des Lichts einfangen.
Anne-Maries-Materialien
- Lackierung: Alizarinkarminrot, Siena gebrannt, Neapelgelb, Neapelgelb hell, Kadmiumgelb, Zitronengelbton, Ockergelb, Preußischgrün, Saftgrün, Olivgrün, Indigo, Französisches Ultramarin, Türkis, Umbra roh, Davysgrau, Paynesgrau u Titanweiß, alle Künstler-Ölfarben von Winsor & Newton; Violett-Grau, Old Holland Classic Ölfarbe
- Pinsel: Pro-Arte Series 32 Polar White Nylonpinsel, Größen 1/10 cm, 3/20 cm,
- Träger : Bird & Davis grundierter Leinenkeilrahmen, 90x90cm
- Gesso-Grundierung
- ZestIt Ölfarbenverdünner
1. Vorbereiten Und Komponieren
Ich arbeite normalerweise auf einem quadratischen Format. Meine grundierte Leinwand von 90 x 90 cm war ideal, um die Blumen in Lebensgröße mit dem richtigen Platz um sie herum zu malen. Vor dem Malen fügte ich der Oberfläche eine Schicht Acrylgesso hinzu, um dem Leinen ein wenig Biss und Textur zu verleihen und sicherzustellen, dass die Pinselspuren gut sichtbar waren.
Nachdem ich bereits einige schnelle Zeichnungen im Garten gemacht hatte, zeichnete ich ein paar grobe Miniaturskizzen, um herauszufinden, wie die Leinwand am besten gefüllt werden kann. Ich wollte das Raumgefühl betonen und dem Licht, das um die Blumen tanzt, viel Raum geben.
2. Fügen Sie Einen Warmen Boden Hinzu
Ich habe eine mit Zest-It verdünnte Mischung aus Burnt Sienna und Cadmium Yellow verwendet, um einen absichtlich fleckigen, unebenen Untergrund über dem Träger zu erzeugen. Ich lasse in meinen Bildern immer kleine Bereiche des Bodens sichtbar, um einen Rhythmus und ein Gefühl von Zusammenhalt zu erzeugen; diese farbe gab dem werk von anfang an eine warme atmosphäre.
Ich habe die Komposition mit einer weniger verdünnten Mischung derselben Farben gezeichnet und direkt von dem Digitalfoto aus gearbeitet, das ich aufgenommen hatte.
Ich finde es wirklich wichtig, freihändig zu zeichnen, da ich ständig Formen anpasse und verändere, um die Komposition stärker zu machen.
3. Fixieren Sie Das Bild
Ich habe Sap Green und einen 3 cm langen, kantigen Pinsel verwendet, um die starken Linien der Pflanzenstiele zu zeichnen und ein Gefühl für die Komposition zu bekommen. Es war wie ein kompliziertes Puzzlespiel und ich habe die Linien immer wieder neu gezeichnet und angepasst.
Diese Etappe war sehr intensiv für mich, da ich die Farben runter und den Boden noch nass bekommen wollte. Ich stand auf, um mit einem großen Pinsel zu malen, und bewegte mich ständig auf der Leinwand vor und zurück, um die Komposition aus der Ferne zu überprüfen.
4. Erstellen Sie Den Hintergrund
Ich begann, das Hintergrundgrau mit dem 3-cm-Pinsel sehr dünn aufzutragen. Dadurch sollte das Foto etwas wärmer als das Original werden. Ich habe häufig neue Farben gemischt und verschiedene Kombinationen aus Raw Umber, Davys Grey und all meinen Gelbtönen verwendet. Besonders praktisch fand ich die sehr neutrale Qualität von Naples Yellow Light. Diese Farben wurden durch Einarbeiten in die nasse Basis des Untergrunds eingemischt. Ich habe Naples Yellow Light verwendet, um die Sonnenlichtflecken zu erstellen, aber ich hatte das Gefühl, dass ich das gleiche Gefühl hatte, wenn ich den Boden durchscheinen ließ.
5. Setzen Sie Highlights
Da es sich bei dem Gemälde eigentlich um eine Studie in verschiedenen Weiß- und Grautönen handelte, war es wichtig, das allerhellste Weiß der Blumen auf die Leinwand zu bekommen, um alle anderen Töne und Farben daran zu messen. Ich habe Titanium White mit etwas Lemon Yellow Hue gemischt. Dies wurde auch mit der noch nassen Basis verwendet.
Ich habe einige weichere Grautöne gemischt, um Schattenblumen mit Raw Umber und Naples Yellow sowie Titanium White zu kreieren. Ich habe die Größe meines Pinsels nach und nach auf 3/20 cm reduziert und meine neueren, scharfkantigen Pinsel gegen ältere, etwas verformte ausgetauscht, um die Farbe einzureiben und Kanten weicher zu machen.
6. Erhöhen Sie Den Tonumfang
Jetzt musste ich dem Gemälde die dunkelsten Farben hinzufügen: tiefe Grüns aus dem Laub. Mit Prussian Green, Indigo und Alizarin Crimson habe ich die starken Formen der Schatten abgebildet. Ich habe die Zeichnung der Blumen verfeinert und dem Hintergrund ein wenig Türkis und Violett-Grau hinzugefügt.
Direkt vom Computerbildschirm aus konnte ich in das Foto hineinzoomen und die komplexen Strukturen, Formen und Farben der Blätter studieren. Das Gemälde war zu diesem Zeitpunkt noch recht energisch. Ich wollte ein gleichmäßiges Tempo und einen Rhythmus mit der Pinselführung beibehalten.
7. Farben Harmonisieren
Nachdem ich die gesamte Komposition entworfen hatte, begann ich, vorsichtig etwas dickere Farbe zu mischen und hinzuzufügen, um ein Gleichgewicht zwischen Farbe und Markierungen auf der gesamten Leinwand herzustellen.
Ich konzentrierte mich auf den Hintergrund und mischte die Grautöne ein wenig neu. Um es abzukühlen, fügte ich etwas Paynes Grey und Violet-Grey hinzu. Das war eine knifflige Aufgabe, weil ich mich bewusst dafür entschieden habe, meinen Hintergrund heller zu machen, als er eigentlich war. Ich wollte, dass die Töne konsistenter sind und sich das Gemälde harmonisch und weich anfühlt.
8. Blumen Veredeln
Ich fing an, die Zeichnung auf den Blumen zu verfeinern; Die wirklich leuchtenden Blumen sind mit einem fast reinen Titanweiß mit Zitronengelb bemalt. Ich musste sicherstellen, dass die dunkleren Töne der Blumen korrekt waren, während der Hintergrund kontrastiert blieb.
In dieser Phase verlor ich mich in den Nuancen von Farbe und Form in jedem Blatt und Stängel. Das ist mein Lieblingsteil eines Gemäldes. Es ist, wenn ich das Gefühl habe, jedes Bewusstsein verloren zu haben und so tief in die Arbeit vertieft bin, dass es sich fast wie Meditation anfühlt.
9. Lassen Sie Die Sonne Herein
Ich hatte das Gefühl, dass die kleinen Sonnenflecken für das Gesamtgefühl des Gemäldes wesentlich waren. Also begann ich mich auf sie zu konzentrieren, indem ich Kombinationen aus Burnt Sienna und Titanium White, Naples Yellow, Naples Yellow Lights, Raw Umber, Davys Grey und Naples Yellow Lights verwendete.
Um das Gemälde klar zu sehen, musste ich immer wieder zurückblicken. Diese Formen waren abhängig von einem impressionistischen Gefühl, um erfolgreich zu sein. Ich habe wieder abgenutzte Pinsel verwendet, um ziemlich trockene Farbe in diese Bereiche zu reiben und zu drücken, um den Rändern eine Weichzeichnungsqualität zu verleihen.
10. Detailgebäude
Ich steigerte allmählich die Details und wechselte zwischen kleinen und großen Pinseln. Ich fügte die Zentren der Blumen hinzu, die grüne Mitte (Saftgrün mit Zitronengelb) und den äußeren gelb-orangen Ring (Kadmiumgelb mit gebrannter Siena), was die gesamte Komposition irgendwie festhielt.
Ich habe versucht, die Struktur der Blumen so klar wie möglich darzustellen, indem ich Schattenformen hinzufügte und zu enge Pinselstriche vermeide. Ich möchte mir die Gemälde fast wie einen Teppich aus Markierungen vorstellen, wobei die kantigen Pinsel ihnen eine deutliche Form verleihen, während sie sich verweben und ineinander fließen.
11. Messen Sie Die Temperatur
Ich hatte geplant, die Helenien in der linken Ecke wegzulassen, aber jetzt entschied ich mich, einige Blumen und Stängel hinzuzufügen, die nicht auf dem Originalfoto waren, aber der besseren Balance der Komposition dienten.
12. Letzter Schliff
Das Gemälde musste noch eine Woche trocknen, bevor ich einige Lasuren auftragen konnte. Ich verfeinerte den Bereich der Blätter, der sich etwas zu flach anfühlte, indem ich dünne dunkelgrüne und dann wirklich hellblaugrüne Bereiche hinzufügte, um die komplizierten Muster besser zu beschreiben.
Es wird immer wichtiger zu erkennen, wann es Zeit ist, mit dem Aufräumen aufzuhören, da ich in der Lage bin, auf größeren Leinwänden zu malen. Ausnahmslos werden die Arbeiten in Bezug auf Form, Farbe und Textur abstrakter, als dass es um hyperrealistische Details geht. Ich hoffe, dass dieses Gemälde etwas von diesem Gefühl vermittelt.
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